domingo, 12 de marzo de 2017
viernes, 10 de marzo de 2017
Pink Floyd - Another Brick In The Wall
https://www.youtube.com/watch?v=YR5ApYxkU-U
Piensas que los argumentos mostrados en el vídeo son válidos?
si por que están rompiendo esa oprecion están alzando su voz para romper los estereotipos "libertad de expresión"
Te identificas con el vídeo?
si porque por q en cierto punto me eh sentido así oprimido por el por el sitema educativo o por personas que no le importa tu forma de pensar o lo q sientes si no q quieres q seas igual a ellos
Que quiere decir con la metáfora " otro ladrillo en la pared"?
se refiere a que todos tenían que seguir un mismo sentido una misma forma de aprendizaje y a la vez eran los traumas de pink
Recopila múltiples versiones audiovisuales del mismo tema, haz un análisis sobre las diferencias de cada una de ellas y comenta sobre la actualización del tema
https://www.youtube.com/watch?v=XtLfss_vuE4
https://www.youtube.com/watch?v=i9VvoURMqFU
https://www.youtube.com/watch?v=ZGR4KujOKWw
Piensas que los argumentos mostrados en el vídeo son válidos?
si por que están rompiendo esa oprecion están alzando su voz para romper los estereotipos "libertad de expresión"
Te identificas con el vídeo?
si porque por q en cierto punto me eh sentido así oprimido por el por el sitema educativo o por personas que no le importa tu forma de pensar o lo q sientes si no q quieres q seas igual a ellos
Que quiere decir con la metáfora " otro ladrillo en la pared"?
se refiere a que todos tenían que seguir un mismo sentido una misma forma de aprendizaje y a la vez eran los traumas de pink
Recopila múltiples versiones audiovisuales del mismo tema, haz un análisis sobre las diferencias de cada una de ellas y comenta sobre la actualización del tema
https://www.youtube.com/watch?v=XtLfss_vuE4
https://www.youtube.com/watch?v=i9VvoURMqFU
https://www.youtube.com/watch?v=ZGR4KujOKWw
Proceso creativo (personal)
1. Escribe el problema o temática sobre la cual te interesa trabajar
La problemática es que hay pocos lugares donde los artistas pueden compartir sus obras por ello eh creado un lugar un teatro coliseo donde poder compartir sus obras.
2. Cuéntanos acerca de la búsqueda que has realizado para alimentar tus conocimientos previos
En mi diario vivir al salir a las calles y te das cuenta de tantos artistas con talentos que hay pero no le dan esa oportunidad de exhibir sus obras en un lugar seguro como donde puedan expresar su talento.
3. ¿De que forma y en que momento llegó a ti la solución del problema?
La problemática es que hay pocos lugares donde los artistas pueden compartir sus obras por ello eh creado un lugar un teatro coliseo donde poder compartir sus obras.
2. Cuéntanos acerca de la búsqueda que has realizado para alimentar tus conocimientos previos
En mi diario vivir al salir a las calles y te das cuenta de tantos artistas con talentos que hay pero no le dan esa oportunidad de exhibir sus obras en un lugar seguro como donde puedan expresar su talento.
3. ¿De que forma y en que momento llegó a ti la solución del problema?
Un día estaba observando este peculiar objeto que estaba en un rincón de una oficina.
Y este fue el resultado de mi creatividad de la solución del problema un buen lugar confortable para todos los artistas y publico en general.
jueves, 9 de marzo de 2017
Procesos de Creación Artistica
A principios del siglo XIX empieza la historia del arte universal gracias a que se compenso a investigar el arte como materia
EL PALEOLÍTICO (piedra antigua)
El ser humano estaba imbuido por una comprensión mágica del mundo, donde trataba de explicarlo por medio de formas que pudieran atraparlo para así poder controlarlo.
por eso se encuentran en cuevas hallazgos de pinturas de animales
EL PALEOLÍTICO (piedra antigua)
El ser humano estaba imbuido por una comprensión mágica del mundo, donde trataba de explicarlo por medio de formas que pudieran atraparlo para así poder controlarlo.
por eso se encuentran en cuevas hallazgos de pinturas de animales
EL NEOLÍTICO (piedra nueva)
utilizaban símbolos y lo transportaban al concepto a la realidad
EDAD ANTIGUA
En este periodo, el ser humano ya no dependía de lo que conseguía a diario, ahora había descubierto la agricultura y la ganadería, ya eran grandes imperios y el arte se basaba en la monumentalidad que era posible a la ano de obra esclava muchas de estas obras eran de piedras enormes
Duro 3.500 años.
EDAD MEDIA
LA religión católica domina al mundo y todo se vuelve feudalista la iglesia le gano al imperio y ahora el arte y todo lo artístico giraba entorno a la biblia relatos bíblicos ya no había mas desnudos, las imágenes estaban para representar santidad y no despertar pasión.
La jerarquía era:
1.-religión católica
2.-la nobleza
3.-los siervos de la tierra
En la edad media se construyen dos especies de iglesias y castillos:
Románica:
Se toman muchas cosas de Roma. Tienen iglesias pequeñas y gordas, con ventanas pequeñas.
Gótica:
Crecen hacía el cielo. Tienen mas detalles. Eran iglesias mas altas, y con ventanas grandes. La gran mayoría de ellas tiene un rosetón.
El gótico surge de la misma edad media pero como una respuesta a la iglesia católica por parte de un nuevo poder la burguesía y levantaron nuevas iglesias mas grandes mas hermosas y con mas detalles q las románicas
miércoles, 8 de marzo de 2017
lunes, 6 de marzo de 2017
Arte-Factoria
¿Es inútil sublevarse?
La Arte Factoría, arte y comentarios sociales en el Guayaquil de los 80
Los artistas principales:
Jorge Velarde
Marco Alvarado
Marco Restrepo
Xavier Patiño
Paco Cuesta
Flavio Álava
Fecha de inicio y cierre de la expo:
Inicio: 15 de noviembre del 2016
Cierre: en mayo del 2017
Sala del museo en la que está expuesta:
Muro de la sala #2 del Museo Antropológico y de Arte Contemporáneo (MAAC)
Reseña histórica
Todo comenzó en los años 80 cuando un historiador de arte llamado juan castro reúne a un grupo de muchachos con talento e inicia “objeto menú” una revista llena de arte sus obras la compartían al público de esta forma ya que en ese entonces había pocos lugares donde presentar sus obras Guayaquil era distinta a la q conocemos hoy.
Pero ellos no se conformaron con eso y luego crean Arte Factoría y comenzaron a presentar sus obras objetos únicos reflejando la situación social y política del país en ese entonces, y hay inicia un nuevo periodo del arte llamado el punto de quiebre entre o moderno y lo contemporáneo.
Jorge Velarde
Marco Alvarado
Marco Restrepo
Xavier Patiño
Paco Cuesta
Flavio Álava
Fecha de inicio y cierre de la expo:
Inicio: 15 de noviembre del 2016
Cierre: en mayo del 2017
Sala del museo en la que está expuesta:
Muro de la sala #2 del Museo Antropológico y de Arte Contemporáneo (MAAC)
Reseña histórica
Todo comenzó en los años 80 cuando un historiador de arte llamado juan castro reúne a un grupo de muchachos con talento e inicia “objeto menú” una revista llena de arte sus obras la compartían al público de esta forma ya que en ese entonces había pocos lugares donde presentar sus obras Guayaquil era distinta a la q conocemos hoy.
Pero ellos no se conformaron con eso y luego crean Arte Factoría y comenzaron a presentar sus obras objetos únicos reflejando la situación social y política del país en ese entonces, y hay inicia un nuevo periodo del arte llamado el punto de quiebre entre o moderno y lo contemporáneo.
Renacimiento
Rafael
(Raffaello Santi, también llamado Rafael Sanzio o Rafael de Urbino; Urbino, actual Italia, 1483 - Roma, 1520) Pintor y arquitecto italiano. Por su clasicismo equilibrado y sereno basado en la perfección de la luz, la armonía en la composición y el dominio de la perspectiva, la obra de Rafael Sanzio constituye, junto con la de Leonardo da Vinci y Miguel Ángel Buonarrotti, una de las más excelsas realizaciones de los ideales estéticos del Renacimiento.
Obra:La resurrección de Cristo, conocida también como Resurrección Kinnaird por haber formado parte de la colección de Lord Arthur Fitzgerald Kinnairdrthshire, es una pintura al óleo sobre tabla atribuida al maestro del renacimiento italiano Rafael Sanzio.
Donatello
(Donato di Betto Bardi; Florencia, 1386-id., 1466) Escultor italiano. Junto con Alberti, Brunelleschi y Masaccio, fue uno de los creadores del estilo renacentista y uno de los artistas más grandes del Renacimiento. Su formación junto a Ghiberti le dejó un importante legado técnico pero casi ningún vestigio estilístico, ya que desde sus comienzos desarrolló un estilo propio basado en la fuerza emocional, y en un singular sentido del movimiento.
Obra:Pequeño Profeta localizado en Museo dell'Opera del Duomo (Florencia) materias mármol dimensiones 128 ctm de altura
Leonardo da Vinci
(Vinci, Toscana, 1452 - Amboise, Turena, 1519) Artista, pensador e investigador italiano que, por su insaciable curiosidad y su genio polifacético, representa el modelo más acabado del sabio renacentista.
Obra:Bautizo de Cristo Tecnica Oleo sobre tabla Dimenciones 177 x 151 Localizacion Galería de los Uffizi, Florencia. Pintado por Andrea del Verrocchio, pero el ángel del lado izquierdo está hecho por Leonardo.2 Se reconoce en general que Leonardo también pintó una gran parte del paisaje de fondo.
Miguel Ángel
(Miguel Ángel Buonarroti, en italiano Michelangelo; Caprese, actual Italia, 1475 - Roma, 1564) Escultor, pintor y arquitecto italiano. Habitualmente se reconoce a Miguel Ángel como la gran figura del Renacimiento italiano, un hombre cuya excepcional personalidad artística dominó el panorama creativo del siglo XVI y cuya figura está en la base de la concepción del artista como un ser excepcional, que rebasa ampliamente las convenciones ordinarias.
Obra: Virgen de la Escalera, Material Mármol, Dimensiones 55,5 x 40 cm
domingo, 5 de marzo de 2017
RENACIMIENTO Dibujo de Venus
El nacimiento de Venus (en italiano: Nascita di Venere) es una pintura de Sandro Botticelli (1445-1510). El nacimiento de Venus representa una de las obras cumbres del maestro italiano. Está ejecutada al temple sobre lienzo y mide 278,5 centímetros de ancho por 172,5 cm de alto. Se conserva en la Galería de los Uffizi, Florencia.
Mitos y Leyendas
El HUAQAY - SIQUI
La referencia de este ser zoomorfo proveniene del norte de la provincia de Pichincha.
Según cuenta la historia, el huacay sinqui es un joven que tenia una madre muy enferma. El la cuidaba todas las noches, sin embargo una de esas noches se retiro de la compañía de su madre para comprar remedios, pero en el camino se topo con una muchacha de quien estaba enamorado, que precisamente lo invito a un baile, él erradamente aceptó olvidando completamente a su moribunda madre, entonces durante la fiesta se le acercaron para avisarle que su madre había fallecido, a lo que él respondió casi sin importancia "ya habrá tiempo de llorar". Así entonces como Tupa, el dios supremo, se enojo tanto con el, luego de ver su poco valor sentimental hacia su madre lo castigo convirtiéndole en una ave que llora durante las noches.
Los campesinos mestizos e indígenas lo describen como un ave que sale de las quebradas a las seis de la tarde y emite un canto lúgubre parecido al llanto humano. En sus recorridos ataca a las personas ocasionándoles accidentes, y cuando encuentra a su paso prendas y pañales de niños que están secándose fuera de las casas, los mira y los niños se vuelven llorones, según dicen.
Por esta razón se toman precauciones para que estas prendas no queden afuera de las casas después de dicha hora. Además se rumorea que el Chiflon es tan pequeñito que especialmente cuando hace frío se vuelve presente, para poseer el cuerpo de aquel hombre o aquella mujer que sienta frío extremo para hacerle una que otra bromita. Por eso en Pichincha, por lo general es muy común escuchar decir a las abuelitas recomendaciones como "abrigate bien hijito, para que no te agarre el Chiflon".
viernes, 20 de enero de 2017
Las mujeres artistas mas influyente en la historia
Frida Kahlo
Esta pintora mexicana combina en su obra, eminentemente personal, los estilos surrealista, naïf y folclórico. La vida de Frida Kahlo (1907-1954) estuvo marcada por una enfermedad infantil y por un accidente en su juventud que le llevó a pasar por quirófano hasta 32 veces. Estuvo casada con el muralista mexicano Diego Rivera, aunque también se dice que tenía tendencias bisexuales. Su obra pictórica gira entorno a su vida y sufrimiento además de estar muy influenciada artísticamente por su marido. Aunque su obra fue admirada por varios artistas de la época fue después de su muerte cuando sus trabajos lograron una mayor trascendencia.
Yayoi Kusama
Nació en una familia de clase media alta y desde pequeña ya apuntaba maneras. Estudió en Nihonga (pinturas de estilo japonés) en Kyoto pero este estilo le frustraba así que decidió probar con el avant-garde americano y europeo.
En 1957 se instaló en Nueva York donde realizó una serie de pinturas influenciadas por el expresionismo abstracto.
Pero pronto Kusama se pasa a la escultura y la instalación y comienza a adentrarse en el estilo Arte Pop con sus trabajos expuestos al lado de figuras tan representativas de este movimiento artístico como Andy Warhol o George Segal. Su trabajo está basado en el arte conceptual mostrando atributos del feminismo, el minimalismo, el surrealismo, el arte marginal, arte pop todo ello fusionado en una obra autobiográfica, psicológica y sexual.
Las obras de la artista japonesa son de las más cotizadas a nivel mundial y siendo mujer, se encuentra en un buen puesto del ránking de artistas mejor valorados en el mundo del arte ostentando el número 34. En 2008, la casa de apuestas Christie'svendió en Nueva York, una obra de la artista por 5,1 millones de dólares, un récord para ser una artista femenina viva.
En 1957 se instaló en Nueva York donde realizó una serie de pinturas influenciadas por el expresionismo abstracto.
Pero pronto Kusama se pasa a la escultura y la instalación y comienza a adentrarse en el estilo Arte Pop con sus trabajos expuestos al lado de figuras tan representativas de este movimiento artístico como Andy Warhol o George Segal. Su trabajo está basado en el arte conceptual mostrando atributos del feminismo, el minimalismo, el surrealismo, el arte marginal, arte pop todo ello fusionado en una obra autobiográfica, psicológica y sexual.
Las obras de la artista japonesa son de las más cotizadas a nivel mundial y siendo mujer, se encuentra en un buen puesto del ránking de artistas mejor valorados en el mundo del arte ostentando el número 34. En 2008, la casa de apuestas Christie'svendió en Nueva York, una obra de la artista por 5,1 millones de dólares, un récord para ser una artista femenina viva.
Camille Claudel
Desde la infancia Camille (1864-1943) fue una apasionada de la escultura. En 1876 su familia fue trasladada a Nogent-sur-Seine y allí conoció a Paul Dubois quien la introdujo en la Escuela Superior de Bellas Artes de París. En 1884 comienza a trabajar con Auguste Rodin, quien cayó rendido a sus pies como mujer, y como artista, convirtiéndose en su modelo y musa. Aunque se mueven en los mismos ambientes y hacen viajes de largos periodos de tiempo, Rodin está unido sentimentalmente a otra mujer, Rose Beuret, a quien se niega dejar. Situación que servirá de inspiración para las obras más importantes de la carrera de Camille como por ejemplo, La edad madura. Su fama llega a tal punto que es promocionada por varios artistas de la época, incluso apareciendo en varias revistas de arte.
La escultora comienza otra relación pero vuelve a tropezarse con la misma piedra, ya que su nuevo acompañante Claude Debussy está casado con otra mujer. Comienza aquí su declive con continuos episodios de crisis nerviosas que se agudizaron hasta el punto de encerrarse en su taller y destruir sus obras. Un final triste para una gran artista ya que por decisión de su familia fue ingresada en un centro psiquiátrico durante los últimos 30 años de su vida.
La escultora comienza otra relación pero vuelve a tropezarse con la misma piedra, ya que su nuevo acompañante Claude Debussy está casado con otra mujer. Comienza aquí su declive con continuos episodios de crisis nerviosas que se agudizaron hasta el punto de encerrarse en su taller y destruir sus obras. Un final triste para una gran artista ya que por decisión de su familia fue ingresada en un centro psiquiátrico durante los últimos 30 años de su vida.
Beatrix Potter
¿Quién no conoce los Cuentos Completos de Beatrix Potter? La escritora e ilustradora (1866-1943) creció en una familia de buena posición, victoriana y convencional. Su vida estaba encaminada a convertirse en esposa y madre pero desde pequeña tuvo claro que quería ser independiente. Se convirtió en una intelectural especializada en naturaleza e hizo varios estudios sobre líquenes, hongos y plantas que tuvieron que ser presentados por su tío ante el círculo de investigadores ya que a las mujeres no se les estaba permitido; misma razón por la que la autora no pudo estudiar en los Reales Jardines de Kew.
En 1902 publica su primer cuento ilustrado y tal fue su éxito que durante los 8 años siguientes no dejó de escribir historias animadas. En 1905 se casa con el editor Frederick Warne, enfrentándose a la oposición de sus padres, con tal mala suerte que su marido falleció ese mismo año. Fue entonces cuando Beatrix compró la granja Top Hill en Escocia, la que se convertirá en escenario de muchos de sus futuros cuentos.
En 1902 publica su primer cuento ilustrado y tal fue su éxito que durante los 8 años siguientes no dejó de escribir historias animadas. En 1905 se casa con el editor Frederick Warne, enfrentándose a la oposición de sus padres, con tal mala suerte que su marido falleció ese mismo año. Fue entonces cuando Beatrix compró la granja Top Hill en Escocia, la que se convertirá en escenario de muchos de sus futuros cuentos.
Tamara de Lempicka
Tamara de Lempicka (1898-1980) fue un pintora de origen ruso y gran exponente de lacorriente Art Decó. Muchos son los adjetivos que podrían definirla: elegante, excéntrica, mundana... La artista vivió diez años en París, durante la época de 1920, muy felices ya que consiguió destacar por ser la retratista más importante del estilo Art Decó. En sus obras siempre se decantaba por la aparición de la figura femenina, la moda, el lujo y el erotismo.
Muchos la califican de femme fatale, bastante superficial y clasista ya que su indiferencia era evidente tanto en los ambientes culturales como por el movimiento feminista. Entre la aristocracia era de las artistas más codiciadas ya que se convirtió en retratista de moda para esta clase social e hizo portadas para la revista de moda alemana Die Dame; aunque poco a poco sus pinturas fueron perdiendo protagonismo ya que el gobierno nazi las consideró porno blando.
Muchos la califican de femme fatale, bastante superficial y clasista ya que su indiferencia era evidente tanto en los ambientes culturales como por el movimiento feminista. Entre la aristocracia era de las artistas más codiciadas ya que se convirtió en retratista de moda para esta clase social e hizo portadas para la revista de moda alemana Die Dame; aunque poco a poco sus pinturas fueron perdiendo protagonismo ya que el gobierno nazi las consideró porno blando.
Georgia O'Keeffe
Georgia O'Keeffe (1887-1986) pertenece a la escuela modernista norteamericana. Estudió en la Escuela de Arte del Instituto de Chicago, bajo la dirección de John Vanderpoel. En 1907 se trasladó a Nueva York para unirse a la Art Student League donde conoció el arte europeo de Rodin y Matisse. La artista quería dar vida y expresión visual a sus emociones lo que le llevó a pintar abstracciones basadas en la naturaleza. Sus obras más conocidas son las pinturas de flores a gran escala como Black Iris (1926) así como sus series de cuadros, como por ejemplo, Jack-in-a-Pulpit de 1930. En 1946 se traslada a Nuevo México, lugar que había conocido en uno de sus viajes como artista. Durante los años 30 y 40 amplió su registro introduciendo a sus pinturas huesos y cráneos de animales.
Helen Frankenthaler
Helen Frankenthaler (1928-2011) fue una artista expresionista abstracta influenciada por la obra de Jackson Pollock y Clement Greenberg, con quien también se involucró en el movimiento de arte abstracto.
Estudió en la Escuela Dalton con Rufino Tamayo y también en el Bennington College de Vermont. La pintora desarrolló una técnica pictórica propia para aplicar la pintura al lienzo. Dicha técnica, conocida como soak stain (mancha de empapado) consiste en licuar la pintura al óleo con aguarrás y dejar que la tela, todavía sin tratar, absorba para eliminar cualquier sensación tridimensional.
Asimismo, esta técnica inspiró el movimiento campos de color que fue seguido por artistas Morris Louis y Kenneth Noland, y resultó ser el movimiento precursor del minimalismo. Su obra más representativa es el cuadro de Montañas y mar.
Estudió en la Escuela Dalton con Rufino Tamayo y también en el Bennington College de Vermont. La pintora desarrolló una técnica pictórica propia para aplicar la pintura al lienzo. Dicha técnica, conocida como soak stain (mancha de empapado) consiste en licuar la pintura al óleo con aguarrás y dejar que la tela, todavía sin tratar, absorba para eliminar cualquier sensación tridimensional.
Asimismo, esta técnica inspiró el movimiento campos de color que fue seguido por artistas Morris Louis y Kenneth Noland, y resultó ser el movimiento precursor del minimalismo. Su obra más representativa es el cuadro de Montañas y mar.
Louise Bourgeois
Louise Bourgeois (1911-2010) fue una escultora francesa-norteamericana considerada una de las artistas más importantes del arte contemporáneo, cruzándose con los principales movimientos vanguardistas del siglo XX como el surrealismo, el expresionismo abstracto y el posminimalismo. Sus esculturas de araña, como la que mostramos en la imagen, hechas en homenaje a su madre que era tejedora (así como la representación de la duplicidad de la naturaleza y la maternidad: la madre es protectora y depredadora al mismo tiempo), se han convertido en su seña de identidad y le han valido el apodo de la "mujer araña".
Precisamente, su obra Araña, según recientes informes publicados, se considera una de las más valoradas en el mundo del arte femenino llegando a adjudicarse su venta por subasta en 10,7 millones de dólares. A pesar de su amplia trayectoria con trabajos abstractos sus obras también se relacionan con la figura humana expresando temas como la traición, la soledad o la ansiedad. Una obra claramente autobiográfica y marcada por un trauma de la infancia causado por la relación de su padre con su niñera.
Precisamente, su obra Araña, según recientes informes publicados, se considera una de las más valoradas en el mundo del arte femenino llegando a adjudicarse su venta por subasta en 10,7 millones de dólares. A pesar de su amplia trayectoria con trabajos abstractos sus obras también se relacionan con la figura humana expresando temas como la traición, la soledad o la ansiedad. Una obra claramente autobiográfica y marcada por un trauma de la infancia causado por la relación de su padre con su niñera.
Leonora Carrington
Leonora Carrington (1917-2011) fue una pintora de origen inglés que se inicia en el mundo de la arte de la mano de Max Ernst. Nació en el seno de una familia rica de la industria textil y debido a los cuentos de hadas que le contaba su nana durante la infancia, su posterior obra estará más que influenciada por estas historias de fantasía.
Tras una rebelde adolescencia, en 1936 ingresa en la Academia de Amédée Ozenfantdonde comienza sus estudios de dibujo y pintura. Un año después será cuando conozca a Max Ernst, quien la introduce en los círculos del surrealismo.
Al comienzo de la II Guerra Mundial, en 1939 se traslada a España y Portugal donde conoce a Renato Leduc, amigo de Picasso, con quien se casa, aunque este matrimonio durará tan solo 2 años.
En 1943 conoce a Edward James en México, mecenas de los surrealistas y máximo coleccionista de su obra. Allí vivió durante 43 años donde formó parte del movimiento surrealista y conoció a Frida Kahlo y Remedios Varo, convirtiéndose en grandes amigas. Su lenguaje pictórico combina lo siniestro, lo sobrenatural, los símbolos religiosos y la psicología de Jung en mundos imaginados donde se mezclan sueño y realidad.
Tras una rebelde adolescencia, en 1936 ingresa en la Academia de Amédée Ozenfantdonde comienza sus estudios de dibujo y pintura. Un año después será cuando conozca a Max Ernst, quien la introduce en los círculos del surrealismo.
Al comienzo de la II Guerra Mundial, en 1939 se traslada a España y Portugal donde conoce a Renato Leduc, amigo de Picasso, con quien se casa, aunque este matrimonio durará tan solo 2 años.
En 1943 conoce a Edward James en México, mecenas de los surrealistas y máximo coleccionista de su obra. Allí vivió durante 43 años donde formó parte del movimiento surrealista y conoció a Frida Kahlo y Remedios Varo, convirtiéndose en grandes amigas. Su lenguaje pictórico combina lo siniestro, lo sobrenatural, los símbolos religiosos y la psicología de Jung en mundos imaginados donde se mezclan sueño y realidad.
Natalia Goncharova
Natalia Goncharova (1881-1962) nació en una familia de alta burguesía rural y era biznieta de Alexander Pushkin. Comenzó sus estudios en 1898 en la Escuela de arte, escultura y arquitectura de Moscú donde conoció a Mijail Lariónov, quien se convirtió en su compañero tanto sentimental como profesional. Sus obras se relacionaban con el arte icónico y el arte popular ruso, mientas que en otras comienza a despuntar su influencia por el futurismo y el cubismo, que evoluciona al rayonismo. Su obra fue bien acogida por el público aunque su estilo de vida, alejada de los convencionalismos sociales, siempre causó polémica.
Con su exposición Le Coq d’or de Diághilev dió el salto a Europa dándose a conocer como escenógrafa. Viajó junto a Diághilev y Lariónov a Italia, Suiza y España hasta asentarse en Francia donde su trabajo comenzó a ser más que fructífero aunque con la muerte de Diághilev comenzó su declive creativo. Pocos meses antes de su muerte el Arts Council de Londres realizó una exposición retrospectiva de la obra de la artista y su marido donde se reconocía su importancia dentro del panorama artístico ruso y europeo del s.XX.
Con su exposición Le Coq d’or de Diághilev dió el salto a Europa dándose a conocer como escenógrafa. Viajó junto a Diághilev y Lariónov a Italia, Suiza y España hasta asentarse en Francia donde su trabajo comenzó a ser más que fructífero aunque con la muerte de Diághilev comenzó su declive creativo. Pocos meses antes de su muerte el Arts Council de Londres realizó una exposición retrospectiva de la obra de la artista y su marido donde se reconocía su importancia dentro del panorama artístico ruso y europeo del s.XX.
Goncharova, al igual que el caso de Louise Bourgeois, es considerada una de las artistas femeninas mejor valoradas en el mundo del arte, y ejemplo de ello es la venta que se consiguió hacer de su cuadro Flores por 10,8 millones de dólares.
Berthe Morisot
Berthe Morisot (1841-1895) fue la primera mujer en unirse al movimiento Impresionista. Nació en una familia de la alta burguesía y fue educada en el mundo del arte y la música. Disciplinas que supo combinar dentro de su papel de mujer moderna y animadora social.
Fue modelo y amiga de Manet, y estuvo casada con el hermano del artista, Eugène. La artista tuvo un papel destacado en el desarrollo del Impresionismo francés y expuso junto a artistas de la talla de Degas, Renoir, Monet. Su obra Detrás del desayuno consiguió batir todos lo récord de las subastas de la famosa casa de apuestas londinense Christie's, subastado por la cantidad de 11 millones de dólares. Por ello, se le considera la mujer artista mejor valorada del mundo del arte.
Fue modelo y amiga de Manet, y estuvo casada con el hermano del artista, Eugène. La artista tuvo un papel destacado en el desarrollo del Impresionismo francés y expuso junto a artistas de la talla de Degas, Renoir, Monet. Su obra Detrás del desayuno consiguió batir todos lo récord de las subastas de la famosa casa de apuestas londinense Christie's, subastado por la cantidad de 11 millones de dólares. Por ello, se le considera la mujer artista mejor valorada del mundo del arte.
Mary Cassatt
Mary Cassatt (1844-1926) era hija de un banquero estadounidese que no veía con buenos ojos los intereses artísticos de su hija y se posicionó en contra de su carrera como pintora. Por fin, en 1861, Mery comienza sus estudios en la Academy of Fine Arts de Filadelfia donde adquiere un acento académico que más tarde la llevará al taller de Chaplin en París. Durante estos años le delata su gusto por el trabajo de Courbet, Velázquez o Rembrabdt. Pero es Degas quien la introduce en el mundo del Impresionismo, y aprende la técnicadel grabado y los tonos pasteles. Es entonces cuando su estilo comienza a acercarse al de su propio maestro, así como al del artista Renoir.
Comienza entonces a trabajar por su cuenta y empieza a ser conocida sobre todo por sus series de niños y madres. Aunque la artista explora también otros aspectos de la vida social y privada de las mujeres en sus obras. Una repentina pérdida de visión le hizo retirarse antes de lo esperado del mundo de la pintura, pero gracias a su trabajo el Impresionismo se introdujo en Estados Unidos.
Comienza entonces a trabajar por su cuenta y empieza a ser conocida sobre todo por sus series de niños y madres. Aunque la artista explora también otros aspectos de la vida social y privada de las mujeres en sus obras. Una repentina pérdida de visión le hizo retirarse antes de lo esperado del mundo de la pintura, pero gracias a su trabajo el Impresionismo se introdujo en Estados Unidos.
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